Mario Maffioli y su abstracción Naturalista...

Antonio García junto a una de las obras de Maffioli.

La otrora "Casa del Cuño", abandonada por muchos años y por dicha actualmente restaurada y convertida en un centro para las artes visuales, nos regala en este diciembre una suculenta selección de obras del artista costarricense Mario Maffioli. El trabajo de Maffioli se ha caracterizado, al igual que su amigo y colega Fabio Herrera de ir en la ruta de la Abstracción y los caminos del concepto "No-representativo".

 ¿A que me refiero con estos conceptos?, primero el concepto de abstracción proviene del término "abstraer", de esta forma se parte de una figura perceptual (arboles, casas, personas, etc), hasta transformarse paulatinamente en algo completamente nuevo y distinto de la figura original, muy distinto de la no-representatividad, que siempre ha estado en el arte, solo que mezclado con la "abstracción", la no-representatividad es cuando el artista no parte de una figura en específico, sino que se lanza a los conceptos puramente del arte (textura, plano, color, linea, etc) sin depender de una representación perceptual, algo así como el Action Painting de Pollock, algunos trabajos de Rodko, constructivismo ruso, entre otros; de esta forma el artista no busca estilizar, ni representar una imagen que se identifique con algo conocido visualmente hablando, construye a partir de los elementos de comunicación visual.

En este caso, la expo "Abstracción Naturalista" de Maffioli se centra como producto final en la transformación de la imagen a partir de la naturaleza, a mi parecer el artista transforma la imagen hasta regalarnos un banquete delicioso de texturas, empastes, juego de colores, pinceladas y nos muestra su gran conocimiento e investigación de aplicaciones pictóricas.

detalle de texturas.

Sus trabajos en gran formato nos remiten al manejo del color, la textura y la línea como punto principal del trabajo que nos muestra, además pude percibir el énfasis del círculo en la mayoría de sus trabajos. A nivel personal, me encanta como Maffioli realmente juega con los elementos del lenguaje y unas texturas que como dicen algunos amigos "dan ganas de comérselas", ya que son texturas muy agradables a la vista. El maestro nos presenta una selección de sus trabajos a lo largo de diversos periodos de tiempo y lleva al espectador a interactuar en un mundo de colores y texturas.

¡Vivamos el Color con Carlos Tapia...!

Antonio García en la expo de Carlos Tapia.

Desde los inicios del mes de diciembre en el Museo Rafael Calderón Guardia, el artista Carlos Tapia comparte sus coloridas obras con el público y es claro en su mensaje: VIVAMOS EL COLOR, de esta forma el mismo título de la muestra nos invita a darnos un baño "Cromático", preparen sus pupilas para saturarse de muchos colores.

Es así como de primera entrada nos reciben sus pinturas de mediano y gran formato con sus característicos gatos y en algunos casos, edificaciones muy lineales que se alzan en búsqueda de un punto áureo en el cuadro plano, a nivel de juego de color como contrapunto, sus composiciones no poseen el miedo a saturar el espacio con elementos y diversos colores, a manera del periodo Barroco (como ejemplo), el artista trabaja cada centímetro de la tela con elementos visuales y formas. 

integración del color con grises, negro y blancos.

Por otra parte, Tapia coloca algunos cuadros que están trabajados únicamente en negros, grises y blancos, de esta forma logra un contraste interesante entre las pinturas donde predominan los colores junto con el blanco y negro.

detalle de pintura, véase las pinceladas gruesas y las texturas.

Las pinturas que el artista desarrolla son realizadas en su totalidad con pintura acrílica y utiliza el color "sin miedo", son trabajos en su mayoría policromo (muchos colores), a mi parecer el artista trabaja el color a lo "fauvista", me recuerda algunos trabajos de Matisse en cuanto al manejo de la línea, el espacio y el color como constructor del espacio, principalmente en trabajos donde predomina la temática de interiores de habitaciones, el manejo de la pincelada y en algunos casos presentan texturas táctiles demuestran la habilidad técnica de Carlos.

Pintura de Matisse "La alhambra"

Perspectivas en espacios domésticos (vistas superiores o desde lo que sería el cielo raso de la casa)

  

Grabado de Escher

En otros trabajos, ya sea exteriores como las "ciudades" y espacios domésticos Tapia juega con la perspectiva desde puntos de fuga que me recuerdan algunas composiciones del artista  Holandés Escher, por supuesto Tapia re-elabora el concepto y lo traslada a su contexto e idea compositiva. 

Debo destacar que este artista proyecta en sus obras algo que no se trabaja mucho en el arte contemporáneo y es la "Alegría de vivir", en mi opinión sus trabajos son "alegres" y transmiten felicidad en medio de un contexto donde la violencia son el pan diario (lamentablemente), creo que esa chispa de "alegría" y color que le brinda Carlos Tapia a sus trabajos, además de su temática recurrente en los gatos como vinculo metafórico principal en sus pinturas, es su gran aporte como artista nacional.

Mi profe Herberth y los fractales...

Para comenzar mi comentario, quiero decir que para mí hablar de Herberth Bolaños, es hablar un poco de mis estudios en arte...era el año del 2002, mi segundo año como estudiante de la Escuela de Arte y Comunicación Visual (EACV), cuando recibí mis primeras clases de arte con el profe, de ahí serían mas o menos siete años que aprendí con él lo que mas adelante sería mi influencia técnica y artística (sin darme cuenta hasta entonces) en mi búsqueda de mi actual lenguaje Plástico.

Con Herberth aprendí la disciplina y la limpieza como algo fundamental en los trabajos artísticos, además de trabajar con el color "sin miedo", de ahí es porque soy tan colorista en mis trabajos artísticos. Por otra parte y no lo voy a negar, mi trabajo con el textil y las fibras que ahora realizo en "Líneas del Tren..." y otros trabajos se deben a las técnicas sobre arte textil que me enseñó. Él no lo sabe y no se lo he dicho, pero yo lo considero como un padre (artísticamente hablando), alguien que pasó por mi vida e influyó mucho en lo que mas adelante sería mi constante búsqueda en los lenguajes artísticos. Por otra parte admiro mucho del profe su constante innovación de materiales, lenguajes y diseños para realizar su obra plástica.

Lamentablemente desde que terminé mis estudios en la EACV, no he podido conversar con el profe por razones de tiempo y ahora por mi lejanía de Heredia, pero las veces que me lo encuentro en mis visitas a mi "Alma Matter" lo saludo y conversamos brevemente.

Bueno, ahora sí me referiré a su trabajo artístico: el profe como artista busca el módulo como elemento compositivo (influencia de Escher y Dinorah Bolandi en el color), a veces lo hace muy perceptual y otras lo va transformando, abstrayendo hasta que se convierte en otra cosa, el colorido y la limpieza en las líneas es algo a que nos tiene acostumbrados y su constante experimentación técnica en su amada acuarela, donde juega con los pigmentos. 

Su gran conocimiento en el ámbito de las fibras lo hace latente en esta muestra, donde continúa los "hilos" que inició con las gráficas del agua en su serie anterior, solo que en esta ocasión los hilos como textil van desapareciendo, convirtiéndose en algunos casos en líneas de papel y líneas a manera de color. El "fractal" que se menciona en su trabajo artístico está representado no en la línea como elemento visual, sino mas bien en el espacio "negativo" de las formas que se hacen en la unión de una u otra dirección de las fibras de papel coloreadas y si hablamos del color, su trabajo es constante y marca una línea que ha llevado a lo largo de su trabajo como artista plástico.

En mi opinión personal, esta muestra es una continuación de sus trabajos anteriores y el textil va desapareciendo para dar paso a la fibra de papel y el entrelazamiento de estas, sus formas cilíndricas se repiten como en otras muestras y siempre en dirección a la síntesis y abstracción para ir llegando al concepto, no a lo concreto ni lo tangible. 

Al maestro Bolaños le agradezco por enseñarme siempre a trabajar con disciplina y dedicación, para llegar alto a cumplir mi metas y sueños.

Un saludo querido maestro y gracias por todo.

Arte convertido en "Gasto de lujo" y compra de Status...

Antonio García Zamora en su expo "Líneas del tren... la espera".

Leyendo un artículo de Fiorella Resenterra, actual directora del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) y publicado por la Nación me hace reflexionar en torno a varias ideas con respecto al arte costarricense, no en el sentido estético, por llamarlo así sino mas bien en el ámbito político, económico y digamos que social (aclaro de antemano que no soy político, ni economista ni profesional en ciencias sociales).

Para comenzar, Resenterra titula su artículo de la siguiente manera: "El Arte, gasto de Lujo" (Peridiódico La Nacion, 29/10/2011), en parte estoy de acuerdo con lo que la autora menciona y cito textualemente: "Es inaudito que el Gobierno considere el arte como un gasto y no como una inversión", lamentablemente el estado costarricense ha puesto su mirada en el arte no como un elemento de conocimiento y producto del pensamiento, sino mas bien como un "adorno" y compra de Status o rango social. Se pierde aquella famosa frase de don Pepe Figueres "para qué tractores sin violines", mencionado también por la autora. Interpreto esa frase de don Pepe, como el tractor como la máquina que construye y el violín como la cultura de un pueblo, un instrumento musical que alimenta el alma con sus sonidos y crea un sentir y un ser (pero para lograr eso, requiere un violinista virtuoso, que piensa y hace.. además de un compositor que tuvo que pensar para componer la melodía y así el violín suene armoniosamente), contrario mas allá de la fuerza del metal y física latente en la máquina que mueve montañas y transforma el medio ambiente, el violín se convierte en una fuerza espiritual-mística, mas de elevar el sentir y motivación al "corpus", la máquina por su parte lleva a la acción el intelecto nacido en el espíritu a partir del violín... ninguna de ambas fuerzas vive sin la otra, por eso se necesitan y son importantes en las sociedades, ninguna sobra.

Es lamentable ese cambio de pensamiento como Resenterra menciona, sin embargo, también es interesante el conocer porqué el INS, ICE, CCSS, Banco Central y demás instituciones del estado comenzaron a comprar objetos con características artísticas, esperemos que haya sido mas allá de adornar la oficina del gerente de turno y sus colaboradores, esperemos que haya sido con una verdadera vocación de rescatar la memoria del pueblo y sus manifestaciones artísticas, reflejadas en las obras de sus artistas. El problema es que si analizamos de donde y cómo están actualmente distribuidas las colecciones de esas instituciones, me da la impresión que son para "adornar", ya que muchas de ellas no estuvieron o están catalogadas y dispuestas con un acceso al pueblo, mucho menos didáctico en el sentido de educar al pueblo y que puedan accesar al patrimonio cultural y no se convierta en un simple adorno del edificio.

Hoy en día el mismo estado es culpable de crear una "élite de arte oficial", un concepto que no es nuevo en la historia del arte, solo a ciertos artistas se les compra obra (en millones de dólares), mientras que a otros se les pide que regalen su trabajo (conozco varios casos de esos), otros artistas somos menos afortunados...  para el mundo del arte no existimos, nuestras exposiciones jamás saldrán en el Áncora de La Nación y menos ganarán una bienal y si tienen suerte de ganarla, ahí si saldrán los Curadores y galeristas hablando maravillas de las obras del artista, subirá al cielo de los "iluminados" y genios del arte costarricense (lo digo con todo el sarcasmo del mundo).

Muchos millonarios compran Rafa Fernández (que ahora salió en vajillas de la Cemaco) y Amighetti, no porque quieren disfrutar del arte en su sala u oficina... sino que mas bien piensan en la cotización del mercado de valores y lo que dirán sus "amigotes" cuando vean al "culto" fulanito y (vamos de nuevo) "adorno" que compró para el espacio de oficina o casa con esas obras, ahí estamos hablando de un elemento de lujo y no como arte. Así se mueve el mercado del arte en Costa Rica y el mundo, para ser alguien en el mundo del arte costarricense, lamentablemente hay que ser de la argolla, alguien que le escriba para los periódicos y una exposición en museo o galería estatal con vino incluido, antes de eso no sos nadie y muchos artistas buenos costarricenses terminan en el anonimato.

Creo que el mismo estado y colaboradores del arte se han convertido en cómplices al convertir al arte no como elemento de conocimiento universal, sino como un elemento de lujo, un adorno para unos cuantos adinerados, sino ¿díganme ustedes donde están localizadas las principales galerías de arte de este país? y ¿cuantos artistas nuevos ganan premios o bienales importantes en Costa Rica?, ¿a cuantos artistas emergentes se les publica un artículo en La Nación o La República?

He dicho....

Artículo de Fiorella Resenterra: http://www.nacion.com/2011-10-28/Opinion/el-arte---gasto-de-lujo-.aspx

Una visita muy especial....

Domingo Ramos conversando con los y las niñas de la Escuela San Martín.

Este viernes 14 de octubre el escultor y amigo Domingo Ramos, realizó una breve visita a la Escuela San Martín en Ciudad Quesada para conversar y compartir conocimientos con algunos de mis estudiantes de 5to grado. El maestro Ramos, muy amablemente aceptó una invitación que le hice, para que mis estudiantes pudieran conocer a un escultor de trayectoria nacional, su obra y vida, además para compartir un rato ameno con el artista.   

Eran pasadas las 10 de la mañana cuando el maestro llegó a mi aula acompañado por su esposa Eugenia Solís y pocos segundos después los y las niñas de quinto grado ingresaron muy emocionados con la inusual visita, después de realizar la presentación de rigor y revisión de asistencia, Domingo Ramos conversó con los niños sobre su vida, su obra y pensamientos sobre el arte, a lo cual los niños muy emocionados pusieron atención y le realizaban diversas preguntas de interés. El maestro contó el inicio de su vida en la escultura, su tierra natal San Ramón y como llegó a Italia donde aprendió diversas técnicas de trabajar la escultura. Después se proyectaron por medio del video deam de la escuela, algunas de sus obras a lo cual el artista comentó sobre las mismas, la técnica utilizada, el lenguaje visual y las metáforas que representan las esculturas mostradas.

Domingo Ramos pintando una máscara junto a las niñas y niños.

Al terminar la charla del artista, los niños continuaron con el trabajo de artes visuales que consiste en realizar mascaras a partir de materiales reciclables utilizando color, diseño y dominio del material, en esta actividad Domingo Ramos trabajó un rato con algunos de ellos y los niños les mostraron sus trabajos y ejercicios artísticos como dibujos, bocetos y la mascaras que estaban realizando.

En lo personal la experiencia fue enriquecedora porque los niños realizaron preguntas interesantes sobre los significados de las obras del maestro Ramos, el arte como se vive actualmente y también les llamó poderosamente la atención su especialización en Italia como escultor.

Agradezco a mis amigos Domingo Ramos y Eugenia Solís por su visita y apertura para estar con los y las niñas de la Escuela San Martín que conocieron a un artista y mas que eso a un gran ser humano, esperamos que estas visitas sean frecuentes a nuestra escuela.

Conversando con Otto Apuy y su trayecto por el arte.

Este sábado tuvimos la oportunidad de compartir con Otto Apuy en el Museo de Arte Costarricense (MAC) y conocer de primera mano sus ideas entorno al arte, además su trabajo artístico y un trayecto por sus principales obras.

Eran las diez en punto de la mañana y Otto (como me pidió que le llamara) nos recibió muy amablemente en la entrada del MAC, después de presentarnos y saludar a los colegas profesores de arte que también nos acompañaban el artista hizo una breve exposición de sus planteamientos e ideas sobre el arte, principalmente puedo destacar su énfasis en sus orígenes Guanacastecos-Chinos y la fusión de las culturas de las cuales todos los costarricenses somos parte, convirtiéndonos en una constante fusión y mezclas de culturas.

Otto Apuy explicando sobre sus primeras obras.

Con respecto a lo "polifacético", el artista realiza énfasis en el uso de diversas técnicas alrededor de un concepto como pilar fundamental del lenguaje artístico, la comunicación visual debe ser fluida y de fácil comprensión entre el espectador y la obra como tal, esta es una de las grandes preocupaciones de Otto Apuy, le interesa que el mensaje sea de fácil comprensión y el público se interese por la obra como elemento de conocimiento.

El maestro mostrándonos sus obras pictóricas.

Al referirse al "Arte Conceptual", el artista plantea la idea como pilar fundamental de la obra artística, la idea es lo primero que se debe elaborar y posteriormente la técnica viene siendo el medio y es por ello que se puede desarrollar una misma idea a través de diversas técnicas o lenguajes visuales (escultura, pintura, videoarte, etc). El arte, según el artista, con el tiempo se convierte en histórico y reflejo del tiempo en el cual se realizan las propuestas artísticas,  es por ello que no se puede pintar como en el siglo XIX o en el siglo XX, el arte es una constante búsqueda de lenguajes y formas de comunicación, no es estático, sino que fluye y se renueva constantemente.

En mi opinión, puedo decir que el artista va en una constante exploración técnica y de elementos visuales, la exposición en sí pretende ser un pequeño "mostrario" del gran trabajo realizado por este maestro del arte costarricense en su paso por el tiempo, en esta muestra podemos encontrar desde sus primeros bodegones hasta obras realizadas en el 2011, con las cuales se cierra la exposición y es paradógicamente donde inicia el recorrido, de esta forma el "trayecto" inicia con las obras mas recientes. Otra de las facetas interesantes de este artista es también la faceta de escritor y artista literario, la expo tiene un pequeño espacio donde se exhiben algunos de sus escritos y publicaciones, que por cierto son bastantes, reflejo del trabajo e investigación constantes del artista y dejar plasmadas sus ideas en el papel.

Antonio García y Otto Apuy en el MAC.

De nuevo agradezco a Otto Apuy por su gentileza y apertura de mostrarnos su trabajo artístico y compartir un rato ameno en el Museo de Arte Costarricense.

"Trayecto por las obras de Otto Apuy"...

Aprovechando el domingo soleado, me fui al Museo de Arte Costarricense en la Sabana para dos cosas: la primera para ver como quedó nuestro museo con las remodelaciones a las que fue sometido y por otro lado observar el trabajo realizado por el artista Otto Apuy.

En cuanto a las remodelaciones del Museo, pude observar la recuperación de algunos elementos olvidados como pisos antiguos, restauración de piezas de madera y eliminación de remodelaciones posteriores, además de abrir una sala con la historia del inmueble, antes Aeropuerto Internacional. Lo que no me gustó y creo que debe regularse, es la apropiación del parqueo del museo por parte de personas ajenas al museo ("wachimanes")y cobrando a los visitantes, creo que se debe tomar cartas en el asunto y evitar ese tipo de acciones.

Por otra parte, la expo del artista Otto Apuy "Trayecto 1974-2011", muestra una serie de trabajos realizados a lo largo de su vida y clasificados en diversos periodos, a mi parecer siento la distribución de la expo un poco confusa y eso que utilizaba el material impreso facilitado por el museo. A nivel de recorrido considero que se pudo haber realizado un trabajo enfatizando su trayecto como artista comenzando mas bien desde sus primeros trabajos y no como la expo está propuesta con sus últimos trabajos de primero, en cuanto a esto comprendo que la distribución del espacio no ayuda mucho, pero si creo que se debió utilizar el recurso del tiempo, además las obras simplemente estaban clasificadas por números, considero importante y lo digo a nivel de Educador de las artes, que se debe tener al menos el tipo de técnica utilizada en las obras y fecha, ya que no se dispone a todo el mundo del catálogo. y los niños que visitan el museo tendrían la información de primera mano, el museo debe estar preparado para todo publico y el infantil, requiere un poco mas de apoyo visual.

"Estética de la destrucción" (2011).

Hablando sobre el trabajo artístico de Apuy se hace énfasis en su "encuentro de culturas", me parece muy interesante la forma como el artista maneja el espacio en sus instalaciones y ambientaciones, el manejo del color en obras que complementa con jícaras y pigmentos me parece super rica a nivel conceptual, la ambientación de "estética de la destrucción" me parece innovadora, tocando el tema de la ecología y los incendios forestales, un tema muy importante para nuestro tiempo, tal vez a nivel museográfico esta pieza se le pudo haber sacado mas provecho y utilizar material de apoyo como "estaciones didácticas" para que niños puedan conocer mas la temática que el artista está trabajando. en algunos casos el complemento del videoarte se hace muy apropiado, principalmente con la instalación la "gotería", donde se observa el proceso del trabajo que se realizó con esta obra.

"La Gotera"

Otto Apuy es un artista que va construyendo su lenguaje plástico a través de la experimentación e introspección y el tiempo, como comunicador visual su trabajo se hace cada vez mas interesante y el manejo del color mas innovador en cuanto a integrarlo al espacio, en lo personal me gustaron mas sus trabajos tridimensionales.

En Agosto San Carlos vibró con el Festival Estudiantil de las Artes.

parte del gran equipo del comité organizador.

Los primeros días del mes de agosto, se realizó en San Carlos el Festival Estudiantil de las Artes (etapa Regional), este festival fue la conclusión de todo un trabajo en conjunto con profesionales de diversas áreas artísticas que fueron dándole forma al festival, hasta su exitosa organización. 

Fue toda una semana de arduo trabajo y por primera vez para mí, pude compartir con la comunidad sancarleña su fiesta estudiantil artística, de veras le agradezco a la asesora regional Patricia Montenegro que me llamó a colaborar por la causa y traté de dar el máximo, junto con mis otros compañeros de artes visuales, música y demás especialidad para que el festival sea de calidad. El Festival se realizó en tres sedes y reunió a mas de un centenar de niños, niñas y jóvenes de todos los colegios y escuelas de la región, mostrando al público que este cantón norteño es una beta artística, lleno de talento y mas que eso, jóvenes y personas con sentido de, mediante el arte, comunicar sus ideas, pensamientos y potencial artístico.

Antonio García y Rafael Ottón Solís.

mascara realizada en los talleres.

En el caso personal, pude aportar mi granito de arena realizando un trabajo escenográfico, aplicando mis "hilos" de colores e intercambiando conocimientos con mis colegas profesores de diversas áreas artísticas, ya que el trabajo de escenografía no se limita únicamente a colocar la escenografía e irse, sino que implica todo un trabajo en equipo, también les puedo decir que la producción de los estudiantes de escuelas y colegios a nivel de arte visual, fue bastante rica en cuanto a color, técnicas y comunicación , la exposición resultó todo un menú variado para todos los gustos y tendencias. En el día dedicado a las artes visuales se realizaron talleres exploratorios con profesores expertos en diversas técnicas y los estudiantes destacados en esa área artística, quiero agradecer también la visita que nos hizo el artista nacional Rafael Ottón Solís, quien estuvo compartiendo con los muchachos y niños e intercambiando ideas sobre el arte y la oportunidad de mostrar sus trabajos, don Rafael es el artista costarricense de la Instalación por excelencia, (la instalación es una temática abordada en el plan de estudios del MEP), siendo para los chicos de secundaria una excelente oportunidad para conocer mas de cerca su trabajo.

Como lo dije desde el inicio del comentario, me siento profundamente honrado de haber colaborado para este festival estudiantil de las artes y mas que eso también fue compartir con muchas personas, sobre mi gran amor y pasión: el arte.

un artista viaja a la eternidad....

Hoy escribo una nota no luctuosa porque no veo en la muerte el final del camino, pero sí el fin de una etapa y una transformación del pneuma. Fidel Gamboa, vocalista del grupo costarricense Mal País inició el viaje a la eternidad, el viaje de los inmortales.

El grupo Mal País lo he admirado desde sus inicios por su trabajo artístico y su compromiso con las luchas sociales y ambientales, he tenido el privilegio de estar en algunos de sus conciertos y algunos de estos músicos nacieron en el nido donde yo rompí el cascarón: el Conservatorio de Castella y ese es un vínculo que une a todos los que nacimos ahí como artistas. Fidel Gamboa ha trascendido a ser parte del ideario de muchos y muchas costarricenses, por la profundidad del mensaje de la música que compuso y junto a los grupos donde participó el sello costarricense. Justamente su ultimo concierto fue ayer con el grupo Mal País y los guatemaltecos de Alux Nahual... hermosa forma de dejar este mundo: cantando y uniendo a los pueblos centroamericanos.

Gracias Fidel por tu música y lo que hiciste al arte costarricense, nos veremos en la eternidad algún día.

"Líneas del tren... la espera" (inauguración).

"Fantasma en Taras", mixta.

 El pasado viernes 24 de julio inauguramos la segunda muestra de "Líneas del tren", esta vez en la ciudad de Cartago en la sala Marco Aurelio Aguilar del Colegio Universitario de Cartago. El concepto que hemos ido manejando sobre esta temática es sobre el tren como un icono lleno de metáforas, que envuelve no solo vivencias y sentimientos, es también el incluir los elementos visuales y no solo es un recordar, sino mostrar un presente proyectado al futuro.

"Ochomogo", mixta-

Por ello la muestra "Líneas del tren", ha sido mostrada en dos ciudades que tuvieron en el pasado la pitoreta del tren y sus pasajeros: la primera muestra llamada "Líneas del tren... el regreso" en la ciudad de Heredia que fue en noviembre del 2010, en esa oportunidad celebrabamos la llegada del viejo amigo y mirando al futuro como metàfora de progreso para la ciudad de las flores y sus habitantes.

En esta ocasión el concepto es "Líneas del tren... la espera", es la espera de todo un pueblo cartaginés que sueña, añora y espera la llegada de la poderosa máquina de hierro, que los encaminará de nuevo sobre los rieles del progreso. En este trabajo el tren es como un fantasma... su presencia continúa, sin embargo solo están sus recuerdos de lo que fue en la mente y algunas construcciones en la ciudad,  se espera su regreso... el tren vendrá como un ser "resucitado" y con la fuerza de las nuevas generaciones que recorrerán sobre sus rieles y compartirán con los del ayer, los recuerdos y vivencias pasadas, pero mirando siempre al futuro. Esta segunda muestra de Líneas del tren, es la esperanza de un retorno, un regresar para quedarse y seguir caminando junto al progreso y caminando paralelamente al recuerdo y la convivencia. 

"Tren Apolo", mixta.

Continúo con mi experimentación de diversos materiales, la línea sigue siendo la protagonista e incluyo materiales como láminas de aluminio y papeles estampados, así como dos obras de un mayor formato de una sola lámina de papel reciclado... creo firmemente que el artista debe seguir innovando y experimentando nuevos campos de exploración de materiales y nuevas propuestas, es así como varío un poco la "receta" en esta muestra y los invito a que nos visiten en Cartago y sea partícipe de esta propuesta artística.

Venga y súbase al tren... el tren los espera!!

"Plegarias de Cali Rivera"

El pasado 14 de mayo me dí un vueltín a Cartago, la vieja metrópoli cuna de grandes acontecimientos en la historia de Costa Rica y por supuesto un lugar lleno de artistas.

Precisamente el buen amigo Cali Rivera es uno de ellos y en estos momentos expone un conjunto de trabajos artísticos, realizados en diversos períodos pero con un mensaje en conjunto: plegarias por la paz, no solo a la no violencia entre los seres humanos sino también paz con la naturaleza y el cosmos. 

El artista Rivera plantea un recorrido por su obra plástica y una temática  que le llamaría espiritual-metafísica, es mas que una muestra de técnicas textiles, pictóricas e instalaciones... el mensaje va mas allá de la mera acción: espectador-obra, sino que toca el hilo "espiritual" y trasciende mas allá del alma y la vida de los seres que habitamos en este planeta.

En la alegoría "Bandera del Amor".

  Esta muestra no pretende en sí misma ser una exposición teológica, pero en mi opinión se acerca a esa inquietud que tenemos todos los seres humanos por tratar de ver mas allá de lo que nos muestran nuestros ojos, las obras no solo se deben de mirar con los ojos sino a mi parecer también con el corazón.

A nivel personal, me impactó y llegó a lo mas profundo de mi ser la instalación "Bandera del amor", un trabajo de textiles exquisitamente trabajado y rodeado de rosas rojas que me dicen la fragilidad del amor entre los seres humanos y a la vez su finitud en el tiempo, ya que en un momento determinado, la flor tiene vida, pero después muere y su forma se marchita (como el amor de las parejas).

En síntesis, Cali Rivera toca diversas temáticas que van desde los elementos de la materia hasta alegorías e inquietudes sobre el irrespeto que el ser humano ha tenido con la naturaleza a lo largo de su historia, un irrespeto que nos puede llevar a desaparecer. Las "plegarias" en Cartago nos llaman a meditar y como el Buda, busca un equilibrio con uno mismo y el cosmos llegando a la plenitud de la existencia. 

La verdad me refresqué y disfruté mucho el trabajo de Cali Rivera, ya que a nivel visual, las obras están muy bien trabajadas, su mensaje es muy profundo y vivificante.

hacia la "contemporaneidad"....

”Corn house” en Art Basel Miami 2007, Lucía Madriz

En estos días he asistido algunas capacitaciones y charlas sobre el tema del "Arte Contemporáneo" y el nuevo plan de estudios de Secundaria del MEP para Artes Plásticas. Siempre he creído que así como el ser humano cambia sus paradigmas sociales y pensamientos, el arte como disciplina que va paralela al conocimiento humano debe ir por el mismo camino. En el caso de Costa Rica, lamentablemente la educación de las artes visuales, por lo general es rezagada y utiliza los viejos paradigmas de la educación, otro problema es el desorden que hay a nivel curricular en los planes de estudio de las Universidades para graduar los profesionales en educación y ni que hablar de las grandes diferencias entre la Universidades estatales y las privadas, con esto no quiero enfocarme cual es la "mejor"opción, pero he manifestado hasta el cansancio mi oposición rotunda a la educación privada y creyendo siempre en el fortalecimiento de una educación integral-humanista y para todas las clases sociales.

Volviendo con el tema de este escrito, me ha gustado ver cómo poco a poco se ha ido implementando las nuevas tendencias de la educación artística y se busca que las nuevas generaciones de jóvenes y niños comprendan el tipo de arte que se hace hoy en día: "el arte contemporáneo", la técnica como especialidad ya no es tan importante, menos que sea algo bidimencional, tridimencional y menos que sea el artista el que construya la obra... el utilizar tecnologías multimedia y enfocarse en las posibilidades del pensamiento actual.

Si bien la capacitación de los profesores de enseñanza de artes visuales es muy importante, debe buscar información fresca, relevante e investigue, que no se quede con lo que aprendió en la Universidad, esto se debe de realizar siempre y toda persona que trabaje no solo en arte sino en cualquier otra disciplina debe hacerlo. En cuanto a la contemporaneidad, me ha gustado ver como algunos profesores de secundaria buscan implementar las nuevas teorías con los jóvenes educandos, aprendiendo sobre el mimetismo, el performance, el happening, arte digital y conceptual, ya se comprende que Artes Plásticas o artes visuales no es formar artistas, sino seres integrales y pensantes que puedan aplicar estos conocimientos para la vida.

Si bien falta mucho camino por recorrer, creo que vamos avanzando, debemos comprender que si tenemos una población educada en cuanto al arte contemporáneo, beneficia a todos y los artistas también, porque tendrán una sociedad que les exija calidad y trabajo serio en sus obras. El arte de Costa Rica es bueno y tenemos que educar al público para que sepa leerlo, de ahí la gran responsabilidad y encomienda que tienen los profesores de arte en los colegios y escuelas del país.

Visita a los maestros....

Vista de la sala principal de la Galería Nacional.

La semana pasada fui a ver la exposición "5 escultores ...un legado" en la Galería Nacional, aprovechando que 3 de los escultores que están mostrando sus obras en ese recinto, fueron parte de mi proceso de aprendizaje de las artes, me refiero a los escultores Manuel Vargas, Aquiles Jiménez y mas recientemente Domingo Ramos.

Con la escultura "y ahora que hago" de Manuel Vargas.

Lo que el visitante puede observar de primera entrada es la gran variedad de recursos de materiales, diseño y conceptos que utilizan los escultores para transformar sus ideas en materia, ya que la escultura no es "muda", sino que cada pieza muestra un concepto y en conjunto con el que observa se completa la obra y el mensaje.

Con una obra de Domingo Ramos.

En lo que a mí respecta uno debe de dialogar con la obra: observarla de lejos y cerca, llenar las pupilas de los ojos con las formas, texturas y espacios de la obra y si se puede... sentirla con el tacto, ese es un diálogo con la obra en sí, mas en este caso con las propuestas de estos experimentados maestros de la escultura costarricense, que aunque tienen su lenguaje plástico distinto entre uno y otro, tienen en común su gran capacidad de diseño, trabajo técnico y el lenguaje que se comunica.

Con la obra "Canto de Luz, Montaña adentro", de Aquiles Jiménez.

Aquiles siempre con sus montañas y le saca el máximo provecho al mármol y el juego con las "luces" y propiedades del material, Manuel Vargas con su inseparable "Chola" y las múltiples representaciones de ésta con gran maestría sus gestos y posiciones muestran las ideas que quiere comunicar y Domingo Ramos con sus diversos materiales, su inseparable espiral y el trabajo con texturas nos habla de sus diversas temáticas y conceptuales.

En síntesis, cada obra de los 5 maestros (Aquiles Jiménez, Crisanto Badilla, Domingo Ramos, Manuel Vargas y Esteban Coto) resaltan por la calidad del trabajo técnico y conceptual.